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Franco Manzoni

Nell'antica Atene la poesia drammatica nacque come manifestazione di unità tra il pubblico e l'autore-attore.
Per arrivare, infatti, a capire i testi della tragedia greca (la prima e più alta espressione teatrale dell'occidente), per comprendere a fondo autori come Eschilo, Sofocle
ed Euripide, dobbiamo anche scoprire in quale modo ebbe origine il genere “tragedia”.
Secondo Aristotele essa deriva dal ditirambo (un canto corale in onore di Dioniso), e all'inizio si sviluppò come improvvisazione a carattere “satirico”.
Il festival è una manifestazione ormai usuale per la società contemporanea. Ma anche nella Grecia classica l'aspetto competitivo sfociava nell'idea della gara, dell'agone.
Nel 534 a.C., ci dicono le fonti, quando il tiranno di Atene Pisistrato organizzò le Dionisie, il poeta Tespi risultò vincitore nel primo concorso tragico. Mentre in origine gli autori stessi erano interpreti della propria opera, Tespi passò alla storia per aver introdotto per primo un attore che, nei panni dei diversi personaggi, rispondeva al coro.
Un altro significato di tragedia è quello di “canto dei capri” e, difatti, i “tragoi” erano i seguaci di Dioniso, che si mascheravano addirittura da capri. Sicuramente i drammi precedenti alla tragedia vera e propria sono ricollegabili a forme di religiosità pre-ellenica.
Storicamente il primo teatro stabile venne istituito in Atene, allorché Pisistrato stabilì i concorsi drammatici fra il 536 e il 533 a.C.: il teatro allora si trovava sul versante sud dell'Acropoli.
Lontano da ogni idea assistenzialistica, nell'antica Grecia nessuno pensava che il teatro potesse o dovesse essere economicamente autosufficiente.
Tuttavia, l'allestimento di un dramma implicava una spesa non esigua.
Allora l'arconte di Atene (il “sindaco” per un anno della città) si rivolgeva ad un privato in modo che questi si offrisse come patrono o promotore di un drammaturgo.
Dopo il primo periodo, durante il quale il teatro era costruito in legno, sotto Licurgo, tra il 338 e il 334 a.C., venne costruito quello in pietra.
Come si è detto, all'inizio vi era era un solo attore, che interpretava più parti e dialogava con il coro; con Eschilo gli attori divennero due e, infine, tre con Sofocle ed Euripide.
Ricordiamo che in Grecia non esistevano attrici: come nel teatro dell'epoca elisabettiana, tutte le parti femminili erano interpretate da uomini. Per sostenere più ruoli l'attore faceva uso della maschera, che era fatta di lino, di sughero o di legno. Tranne alcune copie in marmo o in terracotta (così fatte per essere consacrate a qualche divinità), nessuna si è conservata a causa della deperibilità dei materiali suddetti.
Con la faccia dipinta in bianco per le parti femminili e in grigio scuro per quelle maschili, gli attori mascherati avevano coperto il volto e tutta la testa. Secondo Polluce, esistevano 28 maschere di repertorio.
Ma perché i greci le usavano?
Oggi l'attore ha il volto scoperto, anche se spesso cammuffato dal trucco.
Tuttavia, provate a pensare ad Atene: circa 18 metri separavano gli attori dalla prima fila e quasi 90 li dividevano dagli ultimi spettatori. E' chiaro come a tale distanza i cambiamenti degli stati d'animo fossero praticamente invisibili sul volto, mentre ciò che interessava il pubblico, che a quei tempi non aveva a disposizione il testo o il programma dello spettacolo, era di capire subito di quale personaggio si trattasse.
Dovendo colpire gli spettatori da lontano, anche le vesti avevano una funzione primaria: il costume era nero per i personaggi in lutto e riccamente ornato con disegni e colori vivaci per gli altri.
Ma in ogni caso l'elemento più importante era la forza della voce e della parola pronunciata. L'attore si allenava meticolosamente per arrivare a possedere una voce forte, in grado di farsi sentire attraverso tutto il teatro senza gridare.
E poi l'interprete doveva essere in grado di mutar voce con la medesima facilità con la quale cambiava maschera, trasformandosi da uomo in donna, da giovane in vecchio.
E veniamo ora alla funzione del coro, che nelle tragedie era formato da 12 elementi, portati poi a 15 da Sofocle. Mentre si snodava la vicenda, i coriferi arricchivano lo spettacolo cantando e danzando, una sorta di pantomima imitativa delle scene dialogate.
Per quanto riguarda la musica, essa non doveva alterare né nascondere le parole. Una funzione, quindi, di accompagnamento e nulla più. La scenografia rimase sempre molto semplice, senza però ignorare gli effetti della prospettiva.
All'evento teatrale partecipavano tutti. L'ingresso dei cittadini al teatro era gratuito e, anche quando si stabilì un biglietto d'entrata, il governo ateniese decise di aiutare in tale spesa i cittadini più poveri, facendo pagare gli allestimenti delle tragedie ai più ricchi: una tassa chiamata “liturgia”.
Il teatro dell'Acropoli conteneva circa 16mila persone e il pubblico si comportava un po' come il nostro, applaudiva in segno di approvazione, fischiava, urlava, si organizzava in “claque”, dava colpi di piedi contro i sedili, mangiava rumorosamente del cibo, lanciando noccioli di olive, fichi e persino sassi contro l'interprete o l'autore, giungendo anche a buttar fuori a forza gli attori incapaci, interrompendo così uno spettacolo non gradito.
Analizziamo a questo punto una delle tragedie più famose di Eschilo (che visse tra il 525 e il 456 a.C.), e cioè il “Prometeo incantenato”.
Nonostante l'apparente staticità dell'azione - durante tutto il dramma Prometeo rimane immobile, inchiodato su una rupe della Scizia da Kratos (la forza), Dia (la violenza) ed Efesto, secondo l'ordine di Zeus - Eschilo ha creato una poesia altissima e una trama ricca di colpi di scena.
Il fantoccio Prometeo, oppresso ma immortale, martire ma rivoluzionario, benefattore ma ladro, diventa il simbolo stesso dell'esistenza umana. Egli è l'erede di una sovranità celeste che Zeus ha usurpato. Tuttavia, mentre Prometeo è l'emblema dell'antica stirpe divina, che compie il furto del fuoco per donarlo ai mortali, Zeus incarna l'ordine e la giustizia.
Interpretare oggi Prometeo significa rappresentare una volontà, quella di non piegarsi alla violenza, di non cedere mai, pur conoscendo la punizione prevista, se si combatte per una causa giusta.
E' questa la forza del mito antico, che di giorno in giorno si fa sempre più contemporaneo e vicino alle nostre necessità di riflettere sul reale.

In the ancient Athens, dramatic poetry was born as a manifestation of unit between audience and author-actor.
To understand the texts of the Greek tragedy we also have to clear in which way “tragedy” was born. According to Aristotle, it derives from a dithyramb (a choral song in honour of Dionysus).
The festival was a usual manifestation for the contemporary society, but also in the classical Greece, the competitive aspect took to the idea of the game, agon. In 534 b.C., as the authors say, when Pisistratus, the tyrant of Athens, organized Dionysiae, poet Thespis won the first competition for tragedy. Originally, the authors were the characters of their own works. Thespis passed to history because for the first time introduced an actor, who, in the clothing of the various characters, replied to the choir.
Another meaning of tragedy is the one of “goats' song”. Indeed, ”tragoi” were the followers of Dionysus who even masked as goats. Surely, the dramas before the true tragedy can be related to forms of pre-Hellenic religiosity.
Historically, the first stable theatre was built in Athens, when Pisistratus established the dramatic competitions between 536 and 533 b.C. The arrangement of a drama implied a remarkable cost. Then rhe archon of Athens (the “Lord Major” for one year of the town) addressed to a private citizen asking him to be the sponsor or promoter of a dramaturgist. After the first period, when the theater was built in wood, under Lycurgus (between 338 and 334 b.C.) the stone theater was built. As mentioned above, the actor at the beginning was only one who played several roles and dialogued with the choir. With Aeschylus the actors became two and, finally, with Sophocles and Euripides became three.
We remind that in Greece no actresses were on the stage. Like in the Elisabethaean theatre, all the female roles were played by men. To play several roles, the actor wore a mask, made of linen, cork or wood. With the face painted in white for the female roles and in dark grey for the male roles, the masked actors had the face and the whole head covered. According to Pollux, there were 28 masks of repertoire.
But why the Greeks used them? Let us figure how was the theatre in Athens. The actors were on the stage at a distance of about 18 metres from the first row and of nearly 90 m from the last row. Of course, at such a distance, the changes of mood on the face were virtually invisible, while the audience was interested in understanding immediately which was the character.
At any rate, the most important factor was the strength of the voice and of the word pronounced. The actor followed a meticulous training to have a loud voice to be heard through the theatre without shouting. The actor should be then able to change voice with the same easiness as he changed his mask, shifting from man to woman, from young to old.
Let us now discuss the function of the choir, which consisted only of 12 persons in the tragedies, then of 15 persons after Sophocles. During the course of the events, coryphaei enrichened the show singing and dancing, a sort of pantomime mimicking the scenes of the dialogue.
Music should not alter or hide the words. Therefore, it had a function of accompaniment and nothing more. Scenography always remained very simple, without omitting the effects of prospect. All the people participated in the show. The citizens could enter the theatre free and, even when an entrance ticket was paid, the government of Athens established to contribute for the cost in favour of the poor citizens making the rich to pay for the preparation of the tragedy, a tax called “liturgy”.
The theatre of Acropolis could accomodate about 16 thousand persons. Let us analyze at this point one of the most famous tragedies of Aeschylus (who lived between 525 and 456 b.C.), namely ”Prometeus Bound”.
In spite of the apparent static action - during the whole drama, Prometeus remains still, chained to a cliff of Scitia by Kratos (the strength), Dia (the violence) and Ephestus, according to the order of Zeus - Aeschylus created a very high poetry and a plot with many “coupes de théatre”. Prometeus is a puppet, oppressed but immortal, martyr but revolutionary, benefactor but thief. He becomes the symbol of human existence, he is the heir of a celestial sovereignty usurped by Zeus. However, while Prometeus is the emblem of the ancient divine lineage, which steals the fire to give it to mortals, Zeus embodies the order and justice.
The modern interpretation of Prometeus intends to represent a will, namely to never submit to violence, to never surrender, though knowing the expected punishment, if we fight for a proper cause.
This is the value of the ancient myths, which are always more updated and close to our needs of thinking about reality.

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